Irena Chaloupková

„Zrození Venuše“ (kolem roku 1485) je jedno z nejpoetičtějších mistrovských děl italské renesance, které si Sandro Botticelli objednal pro rodinu Medicejských. Obraz zobrazuje bohyni lásky a krásy, zrozenou z mořské pěny a vznášející se na břeh na mušli. Není to jen mytologická scéna, ale alegorie duchovního a kulturního znovuzrození.
Na rozdíl od většiny obrazů té doby, které byly malovány temperou na dřevě, bylo „Zrození Venuše“ provedeno na plátně – v 15. století rarita. To Botticellimu umožnilo vytvořit větší plátno (172 x 278 cm) a využít jemné barevné přechody.
Ústřední postava, Venuše, je zobrazena nahá, což byl pro křesťanskou Evropu revoluční přístup. Nahota zde však není erotická, ale idealizovaná: Venušino tělo připomíná antické sochy, ale postrádá anatomickou přesnost – je protáhlé, půvabné, téměř éterické.
Kompozice je postavena na kontrastu: vlevo vanou Zefýr a Chloris, zosobňující vítr a jaro, aby přiblížili Venuši k břehu; vpravo jedna z Hór (Hodin), připravená zakrýt bohyni pláštěm. Jedná se o pohyb od chaosu k řádu, od přírody ke kultuře.
Venušina tvář vyjadřuje melancholii, nikoli radost. Toto je odkaz na neoplatónskou filozofii, populární v kruhu Medicejských: pravá krása nevyvolává potěšení, ale touhu po božském, po věčném.

Stránky: 1 2

„Výkřik“ je jedním z nejznámějších obrazů 20. století, který vytvořil norský umělec Edvard Munch v roce 1893. Je to víc než jen obraz, ale vizuální symbol existenciální hrůzy, osamělosti a úzkosti, které definují moderní dobu.
Munch namaloval čtyři verze „Výkřiku“ (dvě olejem, dvě pastelem) a také vytvořil litografii. Nejznámější verze je v Národní galerii v Oslu. Ve svém deníku umělec popsal svou inspiraci: „Šel jsem po cestě se dvěma přáteli – slunce zapadalo… Obloha se náhle zbarvila do ruda jako krev. Zastavil jsem se a cítil nekonečný výkřik pronikající přírodou.“
Postava v popředí není člověk v tradičním slova smyslu, ale archetyp utrpení. Její tvář podobná lebce, rozpažené paže a absence pohlaví a věku z ní činí univerzální osobu. Představuje každého z nás v okamžiku existenciální krize.
Pozadí obrazu – vířící obloha a fjord – není realistické, ale expresivní. Červené a oranžové tóny oblohy kontrastují se studenou modrou vodou a vytvářejí pocit disharmonie. Linie jako by vibrovaly a umocňovaly pocit neklidu.
Dvě postavy v pozadí, kráčející přes most, jsou lhostejné k utrpení ústřední postavy. To zdůrazňuje téma existenciální osamělosti: i mezi lidmi se člověk může cítit zcela izolovaný.

Stránky: 1 2

„Hvězdná noc“ (1889) je jedním z nejslavnějších obrazů Vincenta van Gogha a symbolem postimpresionismu. Obraz, namalovaný v psychiatrické léčebně Saint-Rémy, neodráží ani tak skutečnou krajinu, jako spíše umělcův vnitřní svět: úzkost, naději, touhu po věčnosti a boj s šílenstvím.
Obraz zobrazuje noční oblohu nad vesnicí, ale vše v něm je proměněno: hvězdy a měsíc jsou obklopeny vířícími svatozářemi, cypřiš se táhne k nebi jako černý jazyk plamene a kopce jako by dýchaly. Není to zobrazení přírody, ale emocionální kartografie – pokus vyjádřit nepopsatelné.
Van Gogh maloval „Hvězdnou noc“ během dne a díval se z okna svého nemocničního pokoje. Protože v noci nemohl pracovat, spoléhal se na paměť a představivost. V dopisech svému bratrovi Theovi přiznával, že „noc je barevně bohatší než den“, a snažil se tento pocit vyjádřit kontrastem tmavě modré a jasně žluté.
Víry na obloze jsou často interpretovány jako projev umělcova duševního stavu, ale moderní vědci nacházejí paralely s fyzikálními jevy – turbulencí, popsanou Navier-Stokesovými rovnicemi. Možná van Gogh intuitivně pochopil přírodní zákony, které byly vědě jeho doby nepřístupné.
Cypřiš je klíčovým symbolem obrazu. Ve středomořské kultuře je tento strom spojován se smrtí, ale pro van Gogha se stává mostem mezi zemí a nebem, mezi lidským a božským. Jeho vertikalita kontrastuje s horizontalitou vesnice – pozemskou stabilitou.

Stránky: 1 2

Michelangelův „David“, vytvořený mezi lety 1501 a 1504, je jedním z největších výdobytků světového umění. Tento 5,17 metru vysoký mladík, vytesaný z jediného bloku mramoru, se stal symbolem Florencie, renesance a samotné myšlenky lidského potenciálu. Dnes je originál umístěn v Galerii dell’Accademia ve Florencii a kopie zdobí náměstí města.
Zajímavé je, že mramorový blok, ze kterého byl „David“ vytvořen, byl považován za vadný: před Michelangelem na něm pracovali dva další sochaři, ale od projektu upustili. Michelangelo, tehdy pouhých 26 let, viděl v tomto „nevhodném“ kameni příležitost odhalit skrytou formu – filozofii charakteristickou pro platónský pohled na umění. Na rozdíl od tradičních zobrazení Davida jako vítěze (například od Donatella nebo Verrocchia) Michelangelo zachytil okamžik před bitvou. Mladík stojí v napjaté pozici, pohled upřený, pravou ruku sevřenou v pěst, levou držící prak. Není to triumf, ale napětí před rozhodným činem – hymna na vnitřní sílu.
Anatomie „Davida“ je nápadně přesná: Michelangelo studoval mrtvoly v anatomických sálech, aby pochopil strukturu svalů, šlach a kostí. Obzvláště výrazné jsou žíly v pažích, napjatý krk a realistické tvarování těla. Proporce jsou však mírně zkreslené – hlava a pravá paže jsou zveličené, aby kompenzovaly perspektivu při pohledu zespodu.

Stránky: 1 2

„Mona Lisa“ je pravděpodobně nejznámějším dílem v dějinách umění. Obraz, který Leonardo da Vinci namaloval na počátku 16. století, se stal symbolem renesance, ztělesňuje tajemství, ženskost a umělcovu genialitu. Dnes je umístěn v Louvru a každoročně přitahuje miliony návštěvníků, a to i přes svou skromnou velikost – pouhých 77 x 53 cm.
Předlohou pro portrét byla podle obecně přijímané teorie Lisa del Giocondo, manželka florentského obchodníka. Odtud pochází i jiný název obrazu, „La Gioconda“. Debata však pokračuje: někteří badatelé se domnívají, že Leonardo zobrazil idealizovaný ženský obraz nebo dokonce autoportrét v ženském přestrojení, založený na počítačem generovaných rysech obličeje. Jedním z nejvýraznějších rysů Mony Lisy je technika sfumato – měkké, téměř neviditelné přechody mezi tóny a stíny, díky nimž tvář modelky působí živě a dýchavě. Tato technika byla na svou dobu revoluční a demonstrovala Leonardovo mistrovství jako umělce a vědce, který se hluboce zabýval anatomií a optikou.
Záhadný úsměv Mony Lisy inspiroval generace básníků, spisovatelů a filozofů. Je zároveň zdrženlivý a smysluplný, mění se v závislosti na úhlu pohledu a osvětlení. Neurovědci dokonce naznačují, že efekt „pohyblivého“ úsměvu souvisí se zvláštnostmi lidského periferního vidění.
Pozoruhodné je také pozadí obrazu: fantastická krajina s klikatými silnicemi, mosty a útesy nemá v realitě žádný přímý analog. Není to jen kulisa, ale součást vnitřního světa hrdinky – symbol přechodu mezi skutečným a imaginárním, mezi pozemským a věčným. Mona Lisa přežila mnoho zkoušek: byla ukradena (v roce 1911), polita kyselinou, kamenována a dokonce na ni stříleli. Po krádeži byl obraz o dva roky později nalezen v Itálii a tato událost ho ještě více proslavila. Dnes je chráněn neprůstřelným sklem a přísnými bezpečnostními opatřeními.

Stránky: 1 2